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西村朗ピアノ作品によるリサイタル

代替食品ソイレントが出荷開始ってニュース、40年ほど前の映画「ソイレント・グリーン」を知ってる世代にはガセネタとしか思えないんだが・・・





京都のカフェ・モンタージュで西村朗作品によるリサイタル。この40人ほどでいっぱいになってしまう小さなカフェがコンテンポラリー音楽の聖地になる日は近い?

                                            
 2015年2月8日@カフェ・モンタージュ
 西村朗作品集
  《炎の書》(2010)
   (トーク)
  《神秘の鐘》(2006)
  《薔薇の変容》(2005) 
  《カラヴィンカ》(2006)
   (トーク)
  《オパール光のソナタ》(1998)
  《タンゴ》(1998)
  《アリラン幻想曲》(2002)
  《三つの幻影》(1994)
   (アンコール)
  田中吉史《松平頼暁のための傘》(2010/11)
   〔松平頼暁・西村朗両氏の対談の音声素材に基づく〕(委嘱作品)
  ジョン・レノン(西村朗編曲)《ビコーズ》(1969/91)
  武満徹(西村朗編曲)《さようなら》(1953/2001)

  ピアノ:大井浩明、トーク:西村朗


大井浩明が東京でPOC(Portraits of Composers)と銘打ち、毎回一人のコンテンポラリー音楽の作曲家を取り上げて、そのピアノ曲を可能な限り網羅的に演奏するという意欲的なリサイタルのシリーズを続けているのは周知のことだろうと思います。今回のはいわばそのPOCの番外編といったもので、ピアノ曲のみとはいえ、西村朗の音楽がこれほど集中的に取り上げられるということも珍しいだろうと思います。
私は不勉強ながら彼の音楽をほとんど知りません。数年前のN響アワーで「蘇莫者」という舞楽の舞を伴うオーケストラ曲の抜粋を聴いて、かなり好意的な感触を得たけれども、その後あれこれ音源を取り寄せるところまではいかず今日に至りました。そんなわけで良くも悪くも殆ど何の先入観も持たないまま聴いた次第でしたが、ある意味非常に判りやすい音楽という感じがしました。そしてその判りやすさが、音楽としての面白さの根幹をなしているという風にも思えます。
これらの作品について、西村氏自身が大井浩明のブログに自作解題を寄せておられますので、詳細はそれを読んでいただくとして、

http://ooipiano.exblog.jp/23409101/

まず目に付くのは、「水」や「炎」、「光の乱反射」や「鳥の声」といった視覚的、聴覚的なモチーフによる標題楽が多いということ。その当然の帰結として、これらのキーワードを目にしたときに誰もが思い浮かべるであろうピアノ曲の大家、ドビュッシー、スクリャービン、メシアンらの響きの、遠い木霊が聞き取れます。
その視覚的、聴覚的イメージというのは、当日のトークで上掲の解題よりも更に具体的に語られました。例えば、冒頭の《炎の書》は中目黒不動尊で目にした護摩の炎とそのゆらめく火影であること、次の《神秘の鐘》は嵐山の化野を訪れた際にインスピレーションを得たこと、第2曲の子守歌は水子を弔うものであり、両端楽章は渡月橋を渡ってあの世とこの世を往来するイメージであること、最後の《三つの幻影》の第2曲で、内部奏法(低い音の弦を指でミュートしながら鍵を強打する)の音はバラナシ(ベナレス)の河岸の火葬を見た時の、骨が割れる音であること、また第1曲はガンジス河そのもの、第3曲は火葬で唱えられるマントラの音による描写であること云々。
これらの身もふたもない直截な元ネタを、いくら作曲者自身の言葉だからと言って額面通り受け取ってよいのか、それともこれは一種のリスナーに対するサービスなのか、よく分りませんが、少なくとも抽象的な音の運動と響きのみを追求すると思われがちな現代の作曲家の中にあって、視覚的聴覚的かつ具象的なイメージから音楽を作る(今となってはもしかすると珍しいタイプの)作曲家であるということが判りました。そしてその語られたイメージと相俟って、耳で聴いた際にとても判りやすく感じられるということ。その音楽は、セリエリスムとは無縁ながらも新調性主義とも袂を分かっており、しかもところどころ調性的なフレーズが忍び入ることを拒んでもいない、といったスタイルだと思います。決して聴き手の耳に媚びるタイプではないが、ドビュッシーやメシアンを聞き慣れた耳であればそこそこ長時間でも聴きとおせるような判りやすさと言ってよいと思います。
更に、トークでご自身の作品を評して「よく言えばギャラント、悪く言えば饒舌」と仰った通り、一言で言えばものすごく音が多い。その点においても、さきほどから何度も名前を挙げたドビュッシー、スクリャービン、メシアンらと極めて近いところにある音楽という感じがします。これだけ多くの作品を立て続けに聴くと、やや食傷気味になるところ無きにしも非ずではあるが、少なくともリサイタルで一曲ないし二曲取り上げる分には、聴き手にも面白く、弾き手にもカタルシスをもたらすこと必至であると思います。

大井浩明の演奏はいつもながらの明晰なもので、硬質でブリリアントな音質が作品によく合っていたと思います。それと同時に、昨年のドビュッシーのリサイタルでも感じたことだが、以前よりも荒削りなところが目立ってきた感じもします。スコアを見た訳ではないので何とも言えないところもあるが、華麗なアルペジオなどでもっと一音一音の粒立ちが欲しいと思ったことが何度もありました。もしかすると、初見である程度弾けてしまうために、却って細部の磨き上げが上手くいかないタイプなのかも知れません。

アンコールが三曲。
田中吉史の作品はタイトルにもあるように、NHK「現代の音楽」で松平頼暁と西村朗が対談した時の音声をピアノに移したもの。こういうと、聞いたことがない人にとってはちんぷんかんぷんだと思うので、近い例として次のyoutubeを挙げておこう。伊賀拓郎という作曲家が作曲(?)した、元西宮市議の野々村某という43歳児の号泣会見を忠実にピアノに移したもの。これは抱腹絶倒、はっきり言って元ネタよりよほど面白いぐらい。およそ人類の役には立ちそうにないが、凄い才能です。

https://www.youtube.com/watch?v=CbrNtKd2nxQ

さて本家(田中作品)のほうだが、大井氏が曲目紹介を兼ねて語ったところによると、西村氏が放射線遺伝学とかなんとかの学者でもある松平氏にその方面の話題を振ったところ、松平氏が滔々と話し出したので西村氏が「はぁ・・」と気のない返事をする様子などが克明に描かれている(笑)。西村氏の声が素材となっているからこれをアンコールに取り上げたと大井氏が語っておられましたが、私の中では「人の声」を素材とする技法が「鳥の声」を素材としたメシアンを想起させ、技法と響きの両面でメシアンとの近親関係を示唆する西村作品に向けて大きなアーチを掛けてリサイタルを締めくくったといった感じがしました。いっそのこと、この作曲者にはメシアンばりに「人のカタログ」を作曲してもらったらどうだろうか。ジャパネットたかたの高田社長などは素材として極めて面白そうだ。
・・・と、ここまで書いて、ネットで調べてみると、この田中吉史という方、既にルチアーノ・ベリオやブルーノ・マデルナの声、あるいはもっとアノニマスなテレビの気象情報の音声や、専門的すぎて殆どの人にとってはわけのわからない音の連なりでしかない学術発表などを素材に作品を書いているようです。これは面白そうです。
アンコール、あとの2曲はまぁ他愛ないアンコールピースの類か。

それにしても今月のカフェ・モンタージュは20世紀以降の音楽ばかりでなかなかの壮観。私は都合で行けませんが、ジョン・ケージのフリーマン・エチュード演奏会(最初の二巻)とか、ブーレーズのピアノ曲全曲とか、びっくりするようなリサイタルがあるので興味のある方は是非。
(この項終り)
by nekomatalistener | 2015-02-10 00:51 | 演奏会レビュー | Comments(0)

近藤譲ピアノ作品によるリサイタル The Shape Follows Its Shadow

ハロウィンもすっかり定着してきたみたいだし、いっそのこと「B層の日」とかなんとか祝日にしたらどうか?




カフェ・モンタージュで大井浩明の弾く近藤譲作品のリサイタルを聴きました。

 2014年11月3日@カフェ・モンタージュ

   クリック・クラック Click Crack (1973)
   視覚リズム法 Sight Rhythmics (1975)
   形は影にしたがう The shape follows its shadow (1975/2011)
   歩く Walk (1976)
   記憶術のタンゴ Tango Mnemonic (1984)

    (休憩)

   ピアノのための舞曲「ヨーロッパ人」 A Dance for Piano "Europeans" (1990)
   高窓 High window (1996)
   夏の小舞曲 Short Summer Dance (1998)
   リトルネッロ Ritornello (2005)
   長短賦 Trochaic Thought (2009)

近藤譲といえば、私が高校生の頃(70年代末~80年代前半)に友人から借りたLPで「ブルームフィールド氏の間化」など数曲を聴いたことがあり、興味を覚えたもののそれ以上深入りすることなく、その名前だけが記憶に残ったのでした。NHK-FMでたしか柴田南雄が司会をしていた番組で「風がでたとき」という作品を放送したのも、同じころだったと思います。これは耳に残るというか、ある種の懐かしさのようなものを感じさせる優れた作品だと思いましたが、もちろんその頃はまだ「海のモノとも山のモノとも」の時代で、その作品を体系的に聴くなど土台無理。それからウン十年、大阪のタワレコがまだアメ村の近くにあった頃、アヴァンギャルドからアンビエントまで、なかなかとんがったディスクばかり置いているコーナーがあって(現在の渋谷店を除くタワレコの情けない状況とは大違い)、そこであれこれ目についたものを買い込んだ中に「彼此(おちこち)」というアルバム(「風がでたとき」が収録されていた!)があり、けっこう夢中になって何度も聴いたのだが、結局その時も他の作品をあれこれ聴く機会を逸したまま(当時はこの世界ではそこそこメジャーになっておられた訳だが)、今日に至りました。
つい最近になって、その著書「線の音楽」の復刊に次いで、大井浩明が東京でピアノ作品全曲を弾くというとんでもないリサイタルをするなど、ごくごく狭いコミュニティの中の出来事ではあるが所謂プチブレイク状態になっているのは、私のような中途半端な中年世代には隔世の感があるのだが、それでも自分の若い頃の近藤譲体験を振り返ってみると、「ブルームフィールド氏・・・」の前衛の旗手としての顔と、「風がでたとき」の他に比べるもののない独特な世界の両方を期せずして聴いていたのは、今回のリサイタルまでの長い予習期間としては強ち無駄ではなかったのだと思いました。

個人的な思い出話はこれぐらいにしておきますが、今回のリサイタルで弾かれた10曲のうち、「彼此」系(勝手に名づけてますが・・・)は「歩く」のみ。滅法楽しく、聴くだけでなく弾いてみたいと思わせる作風ですが、この「面白うてやがてかなしき」独自の世界は決してソフトコアな現代音楽ではなく、その類例のなさと俗耳におもねらない妥協のなさは、ハードコアな現代音楽にひけを取らないものであると思います。その他はもっぱらアヴァンギャルドな系列の作品ですが、例えば「視覚リズム法」などはモノクロームなピアノではなく、元の室内楽版で聴けば、この二つの世界がより近く感じられるのではないかという予感がする。こういった作品は、私のばあい、何度も聴かないと腹に入らないので、今回のリサイタルをきっかけに、これから体系的に聴いてみようと思っているのだが、すくなくともこれまでぼんやりと認識してきた「彼此」系とアヴァンギャルド系の音楽というものが非常に隣接していて、極論すればどの作品も金太郎飴のような近藤譲的世界なのではないかという感想を得ました。さらに、後半で弾かれた「高窓」のゆっくりと鳴らされるきらめく不協和音、この美しさは今回新たに知ることになったこの作曲家の魅力であったと思います。ふとモートン・フェルドマンの作品を連想しましたが、もしかすると初期の「視覚リズム法」からして、そのリズムを何倍かに引き伸ばしたら、フェルドマンのたゆたうような、しかし実は極めて精緻にかかれたリズムに通じるのではないか、という気がしました。

前半と後半の演奏前に、近藤譲ご本人の短いトークがあって、大変興味深く、かつユーモラスなものでした。一晩寝たら大分忘れてしまいましたが(笑)、すこし備忘で書きとどめておきます。
・音楽とは心とか気持ちとか、なにかを表現するものだという人がいる。あるいは、音楽とは建築のような、音の構築物を示すものであるという人もいる。私(近藤)はそのどちらでもなくて、昔も今もずっと、ある独立した音の隣に別の音を置くと、もとの音の意味合いが変わる、それがおもしろくて作曲をやってきた。実はピアノ音楽というのは、一人の奏者がこうして置かれた音を一つながりに弾いてしまうので、どうして書いたらよいかよく分らなかった。私は作曲するときはピアノを用いているのだが、何人かのアンサンブルでやる曲をピアノでそのままやれば別の作品になると思うようになった。本来は数人で演奏する音楽を一人で弾くのだから当然難しい。
・リストやショパンの演奏はとても難しいといわれているが、あれはスケールでもアルペジオでも、身体の一連の動きの中に回収できるものである。しかし、私の音楽は一つの音の隣にある音は、もとの音とは独立したものであり、しかも私は一つの音を書くときはかならず「これはこの楽器の開放弦でこんなボウイングで」という具体的・身体的イメージを持っているから、それをピアノで弾くには単に音を鳴らすのではない、ピアニストの解釈、ある種の創作行為が伴う。ピアニストが楽譜の枠内に縛られていることと創作に加担すること、作曲者がいかようにも楽譜を書けるが演奏者の解釈を通さないと音楽として実現しないこと、この両者のアドバンテージとディスアドバンテージは裏腹の関係にある。
・東京で大井さんによる全ピアノ作品の演奏会を先日やったが、今回は時間の制約でこれだけの作品になった。先ほど高田さん(カフェの店主)から大井さんと私が相談して曲目を決めた、という話があったが、これはウソです(笑)。大井さんが「これでいきます」というから、もう仕方がない。しかしよく見ると、今日の選曲は比較的抒情的な作品というのはすべて省かれている。大井さんの資質にあった作品を選ばれている。

もうすこしあったような気もするが・・・。ご本人はいたって気さくなおじさん風。サラリーマンでいうなら、昔はやり手だったけれどいまはちょっと脂っ気が抜けて監査役しております、みたいな感じ。
大井浩明の演奏は、こういった演目だといつもながら上手いなぁと思います。ピアノのレゾナンスを完全な静寂に至るまで完全に聴くことを聴衆に強いる音楽ばかりですが、彼の情に流されない演奏の緊張感というのは大したものだと思いました。
(この項終わり)
by nekomatalistener | 2014-11-04 22:30 | 演奏会レビュー | Comments(0)

きのこのつぎの音楽 next mushroom promotion

トリフォノフの記事を先輩夫婦が顔本や囀りで拡散してくれたらアクセス数が倍増しとる。SNSおそるべし。




三連休の中日、昼から友人が出演している宝塚交響楽団の定期で、アマチュアとは思えない素晴らしいプロコフィエフの交響曲第5番を聴き、夜はカフェ・モンタージュというダブルヘッダー。なかなか充実した一日でごさいました。

  2014年10月12日@カフェ・モンタージュ
  「きのこのつぎの音楽」

    細川俊夫: エディ(2009) Cl
    ナンカロウ: ソナチネ(1935) Pf
    細川俊夫: Vertical Time Study Ⅰ(1992) Cl,Vc,Pf
    福井とも子: Schlaglicht(2002) Vn,Pf
     (休憩)
    徳永崇: 陰影のある刺繍の入れ方(2009) Vn,Vc
    J.エストラーダ: "Yuunohui'Ome"(1983) Va
    川上統: ラナ・ラナンキュラス(2011) Cl,Vn,Va,Pf
    細川俊夫: 時の花(2008) Cl,Vn,Vc,Pf

    next mushroom promotion
    クラリネット: 上田希
    ピアノ: 大宅さおり
    ヴァイオリン: 辺見康孝
    ヴィオラ: 多井千洋
    チェロ: 大西泰徳

next mushroom promotionという現代音楽を専門とするユニットは初めて聴きましたが、なかなかの凄腕集団。「きのこ」といえばジョン・ケージ。したがってケージ以降の音楽をプロモートするという意味だと思いますが、ケージといっても「4’33”」ではなくて「フリーマン・エチュード」の方向か。繊細極まりない細川作品とノイズ系上等みたいな作品が並んでいて刺激的なプログラムでした。
こういった作品についてはどうしても印象批評みたいなレベルになってしまいますが、自分自身の備忘ということで飾らずに書いておきます。
細川俊夫のさまざまな楽器の組み合わせによる3作品は、いずれも最弱音から爆発に至る張りつめた緊張感が凄まじい。特殊奏法による倍音や種々のノイズも含めてとても美しい響きで、生演奏を聴きに行った甲斐があるというもの。いまやこの業界で最も売れている一人だろうと思いますが、確かにエスタブリッシュメントとしての風格さえ感じます(それが音楽として良いことなのかどうかは別だが)。
ナンカロウはこの日の演目の中ではもっとも古い作品ということになりますが、なるほど確かにバルトーク風の両端楽章がジャズ風の緩徐楽章を挿む古典的な造りの音楽。自動ピアノで有名なナンカロウの原点という意味で興味深い作品です。
福井とも子のSchlaglicht、さきほどケージの「フリーマン・エチュード」に言及しましたが、それと共通する激烈さが特徴的。内部奏法や掌のクラスターを含むピアノ・パートも暴力的でカタルシスに富んでいます。この人、next mushroom promotionのディレクターでもあるとのことですが、なかなかあっぱれな肉食系の方のようです。
徳永崇の作品は私にはこの日一番の収穫という感じがしました。ヴァイオリンとチェロの無窮動風アルペジオが中心の音楽ですが、現代音楽のイディオムでこんなに楽しい曲が書けるのか、と聴いていて驚いたほど。作曲家がどういうつもりで書いたかは知りませんが、この機知に富む楽しさは貴重。
エストラーダのヴィオラ独奏作品は、フラウタンドやスル・ポンティチェロのトレモロが延々と続くノイズ系作品。大変な迫力で聴きごたえがあります。ほとんど譜めくり可能な休止がないので、譜面台を3つならべて楽譜のコピーをずらっと並べて弾いてましたがこんなのを見るのも初めて。
川上統も実に面白い作品。カフェ・モンタージュの店主の解説によると、ラナンキュラスは花の名前だそうで、背後にカエルのお話があり、カエルが疲れると口からラナンキュラスを出したり、巨大ラナンキュラスからカエルがいっぱい出てきたり・・・・ほとんど理解不能(笑)。でも確かにちょっと人を食ったような音楽。こういう作品をまとめて聴いてみると、現代音楽が不毛であるかのようにのたまう人達というのは実際にこういったコンサートを聴いたことがないのだろうな、と思います。
台風が近づいているというのによりによって現代モノのプログラム、さぞかしガラガラだろうと思いきや、そこそこ聴衆が集まっていたのには驚きました。さすがはあたらしもんずきの京都人。
(この項終り)
by nekomatalistener | 2014-10-14 22:59 | 演奏会レビュー | Comments(0)

バルトーク 弦楽四重奏曲全曲演奏会vol.1

私が生まれて初めてハマった曲は多分「ワシントン広場の夜は更けて」。本人の記憶はないが、「あんたはこのレコードかけんとご飯食べんかったね~」等の証言多数。





京都のカフェ・モンタージュでバルトークの弦楽四重奏曲を2曲聴いてきました。

  2014年9月30日@カフェ・モンタージュ
   バルトーク
    弦楽四重奏曲第3番Sz.85 (1927)
    (休憩) 
    弦楽四重奏曲第5番Sz.102 (1934)

  泉原隆志(vn)、長谷川真弓(vn)、金本洋子(va)、城甲実子(vc)

私がバルトークの弦楽四重奏曲を初めて聴いたのは中学生の頃、ノヴァークSQの廉価盤LPを買ってそれこそむさぼるように聴いた時期がありました。たまたま安くて目についた程度のきっかけでしたが、名高いジュリアードSQではなくノヴァーク盤からバルトークの世界に足を踏み入れたのは今にして思えば意味のあることだったと思います。精緻極まりないジュリアードに比べて、荒削りでバルトークの土俗性を否応なく暴きだすノヴァークSQの演奏は、一般に傑作とされる4番以降よりも前半の3曲により向いていると思います。実は私、バルトークの6つの弦楽四重奏曲の中では第3番が一番好きなのですが、バルトークのラジカルな要素とフォークロア的要素がぎりぎりの地点で奇跡のように両立している作品だと思います。もし私がジュリアードの旧盤あたりを最初に聴いていたなら、多分第4番のほうをより好んでいたかも知れません。フォークロア的要素を高度に抽象化して激烈な音楽に仕上げた第4番はもちろん傑作だと思いますが、個人的な好き嫌いのレベルでは断然第3番になってしまうのは、若い頃のノヴァークSQ体験の刷込みによるところが大きいのではないかと思っています。

さて今回の演奏、今のところ名無しの弦楽四重奏団ということで、アンサンブルとして練れていないのかも知れませんが、前半の第3番はかなり瑕の多い演奏でした。冒頭のチェロのハーモニックスの上に積みあがる和音からして今ひとつ音程が決まらず、一気に不安になりましたが、案の定seconda parteでは何度か崩壊寸前まで乱れることも。ちょっと「商品」としてどうかな、と思いつつも、なんというかこの作品の「初演」を聴いているような不思議な感覚になりました。これは皮肉でも嫌味でもなくて、彼らが満身創痍ながらも借り物でない自分達の言葉で語っていたということなのだろうと思います。少なくともジュリアードの劣化コピーを聴かされるよりは遥かに面白い演奏でした。多分その率直で奔放な表現が作品のフォークロアな部分にマッチするのだろうと思います。
私は何種類も聴き比べてきたわけでもなく、熱心なコンサート・ゴーアーでもないのでよくは知りませんが、バルトークの場合、やはりジュリアードの旧盤の影響というのが大きくて、その磁場から逃れて自由に演奏するということが非常に困難な状況なのかな、と思います。いま手元にあるエマーソンSQのCDを聴いてもそういった感をつよく持ちます(ものすごく優れた録音ではありますが)。その点今回の演奏、粗はあっても自由にのびやかに(ご本人達はそれどころじゃなかったかも知れませんが)弾いておられた感じを受けたのは良かったと思います。

後半の第5番は前半よりも精度の高い演奏で、作品の核心の部分に迫るものがありました。この第5番については、これまでバルトークの創作の絶頂期に位置しながらも、なにか生命力の衰えのようなものを感じていました。これはほぼ同時期の「弦楽器・打楽器・チェレスタのための音楽」や「2台のピアノと打楽器のためのソナタ」も同様。大変な傑作だけれど1920年代の勢いは残念ながら失われていると思っていました。しかし今回の演奏を聴いて、作品に宿っている膨大なエネルギー(うかつにも今まであまり気づいていなかった)を感じ取ることが出来たように思います。多少粗っぽい演奏ではありますが、既存の演奏のコピーでなく自分達の言葉で表現しようとする気迫が、作品の真価を聴き手に伝えるのだと思います。
個々の奏者の技量を云々することはしませんが、京都市交響楽団のコンマスでもある泉原氏が強力に(強引に)全体を統率するスタイル。場数を重ねてもうすこし余裕が出来たなら伸び代は大きいと見ました。今後バルトークの全曲演奏を目指しているとのこと。作品としての完成度の高さでは随一の第4番や、一筋縄ではゆかぬ悪意と苦い味わいに満ちた第6番などにどう取り組んでいかれるのか大変興味を持っています。

余談ですが、カフェ・モンタージュの店主、ちょっと要領悪そうで軽くイラッと来るタイプなんだけれど、演奏前のちょっとしたトークが飄々としてなかなか良いです。演奏会のフライヤーがいつも手作り感溢れているのですが、今回のは同時代の空気を表したくてアンドレ・ケルテスが1938年に撮ったニューヨーク・シティ・バレエの写真を使ってみたとさりげなく解説。いやぁそのセンス、侮れませんわ。
(この項終り)
by nekomatalistener | 2014-10-01 23:37 | 演奏会レビュー | Comments(0)